Pop-Rock.com : de la pop, du rock et des coms. Depuis 2002.

The End

Jérôme Delvaux — 2011-05-11T10:58:14Z

"Dans les caveaux d'insondable tristesse,
Où le Destin m'a déjà relégué,
Où jamais n'entre un rayon rose et gai,
Où, seul avec la Nuit, maussade hôtesse,
Je suis comme un peintre qu'un Dieu moqueur,
Condamne à peindre, hélas, sur les ténèbres."

(Extrait de Les ténèbres, Charles Baudelaire)

Ci-gît Pop-Rock.com. 2002-2011.

Non, je vous rassure, Pop-Rock ne va pas disparaître complètement dans les ténèbres du web. Quoi qu'il arrive, nos huit années de travail ne passeront pas à la trappe : notre imposant contenu patiemment accumulé restera toujours consultable. Mais en attendant d'éventuellement un jour renaître de ses cendres, Pop-Rock s'arrête.

Comme les plus grands groupes de rock qui ont parfois besoin de splitter pour mieux réussir leur prochain come-back, Pop-Rock est arrivé à la fin d'un cycle. La dernière formule en date, articulée autour de quatre fidèles serviteurs bénévoles, a montré ses limites. Il est temps d'arrêter les frais.

La faiblesse de cette dernière incarnation de Pop-Rock fut de ne compter en ses rangs aucun chômeur de longue durée, célibataire et de préférence geek et asocial ; de ne plus compter non plus de fonctionnaires wallons qui avaient le temps de rédiger pendant leurs heures de bureau.
Nos carrières, nos enfants, nos familles, nos voyages, nos vies sociales bien remplies, sans même parler de nos loisirs loin d'internet, tout cela nous empêche actuellement de respecter les cadences que nous nous étions imposées. Ajoutez à cela une certaine lassitude face à l'hostilité jamais démentie de la frange la plus bruyante du lectorat, et vous comprendrez notre désir de passer à autre chose.

Je remercie Vincent, Arnaud et Yû d'avoir si longtemps partagé leur passion de la musique avec nous. Bon vent les amis !
Je continuerai sans doute pour ma part à vous donner des nouvelles et à partager mes coups de cœur et coups de gueule via mon blog, et je ne doute pas que je plancherai très vite sur une suite à donner à Pop-Rock...

En attendant, merci de nous avoir lus.

Tears For Fears : "The seeds of love"

Maxence Vitelli — 2011-05-07T09:42:37Z

Mon vendredi soir au Waff fut d'un instructif, vous n'imaginez pas. Entre « Miss Pastèques » qui me titille (est-ce seulement le bon verbe à utiliser ?) sur l'usage de vibromasseurs en forme de canards et « Chérie » qui m'en apprend sur les aventures extra-conjugales, j'étais largement servi. N'allez surtout pas penser que tout ceci m'avait excité au plus haut point : après le départ de ces deux-là dans les bras de Morphée, je n'ai jamais réussi à trouver le sommeil. Merci les filles ! Et allez savoir pourquoi, pendant cette (longue !) nuit blanche, quelques malheureux souvenirs de jeunesse sont remontés à la surface.

J'ai quinze ans, étudiant donc, et j'ai de gros problèmes en maths et en physique qui me suivront encore quelques années. J'ai aussi une passion qui va soudainement devenir un point faible. Car mes parents, ces sadiques, l'ont vite identifiée et vont s'en servir contre moi. Pas de bons résultats, pas de musique. Je rentre donc un jour de l'école et trouve un grand vide en lieu et place de ma chaîne stéréo, et mes étagères vidées de leurs disques et cassettes (du hard et du metal, principalement). Pour mieux me concentrer sur mes études. Ca, c'est un coup vache.

Pour la faire court, je vais me priver de repas le temps de midi pendant des semaines et garder mon argent de poche pour m'acheter un petit walkman. Je le cacherai habilement tous les jours pour éviter un nouvel enlèvement et ainsi pouvoir écouter le soir bien tard de la musique, casque aux oreilles.

J'avais prêté une cassette audio à une copine, cassette qui m'avait été offerte par quelqu'un qui ne connaissait visiblement pas bien mes goûts musicaux mais que je n'avais pas pu me résoudre à léguer aux bonnes œuvres. Et c'est devenu le seul album que j'aie pu écouter pendant une bonne semaine avant que quelques amis me prêtent leurs propres cassettes de Black Sabbath. Tears For Fears, The seeds of love (Des Larmes Pour Des Peurs – Les graines de l'amour ; tu parles d'un titre viril !). Mieux que rien. Rien étant le terme on ne peut plus adéquat pour désigner mes étagères finalement. Triste spectacle.

Donc, de dépit et malgré moi, je me suis penché sur cet opus. Sorti en septembre 1989, The seeds of love est le troisième album studio du duo de têtes-à-claques de Bath, dans le Somerset. Il y retrouve le producteur Dave Bascombe qui venait de terminer le bien nommé Music for the masses pour Depeche Mode. Pour rappel, Bascombe était déjà ingénieur du son lors des séances de l'album précédent, Songs from the big chair (avec l'insupportable Shout !), quatre ans plus tôt. Ses qualités d'arrangeur font des merveilles en studio : il sent la mode de l'époque comme personne et trouve le parfait équilibre entre les synthétiseurs et la guitare aérienne de Roland Orzabal, mais aussi entre la voix d'Orzabal et celle de son compère Curt Smith ; sans oublier les choristes, très présentes sur cet album. Et Phil Collins à la batterie, histoire de montrer qu'on a de gros moyens.
Mais c'est quand même très commercial, tout ça, non ? Certes, mais quand on signe un contrat avec une maison de disques comme Mercury Records, c'est rarement pour vendre deux, trois albums au sein de sa famille ou à ses amis. Et cette année-là, TFF est désigné comme un rival naturel de U2 et autres Simple Minds dans les charts.

A l'époque, ma perception était que cette musique avait un ton estival : cela reste un truc plus écoutable en été qu'en plein milieu de l'hiver. Je la voyais aussi comme une musique un peu en avance sur les années 80, dans le sens où les arrangements et instrumentations (où l'on retrouve de la trompette, du saxo, du hautbois, de l'orgue Hammond) étaient quand même un cran plus évoluées que celles de la pop radiophonique de base du moment. L'album avait été mené tambour battant au son de ses trois singles fétiches : Woman in chains, Advice for the young at heart et surtout la très prétentieuse Sowing the seeds of love. Cette dernière, la plus connue, avait été pensée comme un pastiche des chansons à tiroirs des Beatles. D'autres titres, comme Badman's song, mêlaient des influences jazz à ce joyeux fourretout.

Cet album confirma aisément la gloire internationale de Tears For Fears. Mais tandis que le groupe rencontrait un succès populaire de plus en plus considérable, l'amitié entre ses membres n'était pas toujours au beau fixe, en raison principalement de conflits d'ego entre les deux chanteurs. En 1990, ils se séparent et Orzabal décide étonnamment de continuer seul sous le nom de Tears For Fears. Sans plus jamais rencontrer le même succès, cependant.

Comment s'est terminé mon histoire ? Hé bien disons qu'un soir, alors que j'avais mon casque sur les oreilles et que je réécoutais une énième fois Woman in chains, ma mère a fait irruption dans ma chambre et a découvert mon walkman, bouche bée. Pouvant difficilement lui faire croire que j'avais trouvé l'appareil au coin de la rue, je me vis à nouveau confisquer le baladeur. Elle en profita même pour embarquer toutes les autres cassettes prêtées par mes amis (du hard-rock, principalement) pensant qu'elles étaient miennes. Ils ne les reverront que deux mois plus tard, au bulletin suivant.

Maison Delvaux, pour vous servir.

Jérôme Delvaux — 2011-05-01T18:25:12Z

Yû qui me remet un projet d'édito d'une seule ligne (« En Mai, fais ce qu'il te plait ») illustré par une photo d'un CD en chocolat (?).
Vincent qui disparait et réapparait épisodiquement, au gré de ce que les aléas de sa carrière de businessman en République Populaire de Chine lui laissent comme temps libres.
Arnaud Splendore qui devient papa pour la première fois (et que je félicite chaleureusement au nom de la Rédaction, soit dit en passant) et qui découvre donc les joies des langes à changer, des nuits écourtées et du heavy-metal en sourdine.
Un nouveau venu qui se fait accuser d'être moi sous pseudonyme (comme d'habitude, chantait Claude, l'électricien...), ce qui ne manque pas d'impacter sa motivation (« Même sans être cassant, on se fait cracher dessus, ici… »).
Un ancien chroniqueur qui promet de se remettre au turbin mais s'endort systématiquement sur son clavier au moment crucial.

Voilà où en est Pop-Rock en ce 1er mai, jour de Fête du Travail… Autant dire que, du travail, les derniers rédacteurs (bénévoles, faut-il le rappeler) encore engagés dans le projet ne semblent pas pressés d'en fournir… Quelque chose me dit donc que – sauf sursaut des précités – c'est le plus souvent moi, l'éditeur et co-fondateur du site, qui me chargerai de divertir vos interminables séances de glande au bureau ce mois-ci, bande de profiteurs. Avec au menu, pour moi : des concerts, du clubbing, des fiches de lecture, des coups de gueule...
Et du côté des chroniques de disques sérieuses, sachant que j'écoute en ce moment principalement Bob Dylan, Miles Davis et Frank Sinatra, vous pouvez vous attendre à du rétro (mais comme vous venez ici gratuitement, vous n'aurez même pas l'audace de vous plaindre...). Et vu que la « concurrence » est insignifiante, pour ne pas dire inexistante, je ne peux même pas vous dire d'aller voir ailleurs.

(Pour bien commencer avec les coups de gueule : après avoir vu le PS se la jouer à la télé à l'occasion de la Fête du Travail, j'incite ses pontes grassement payés à plutôt mettre sur pied la Fête de l'Assistanat et de l'Islamisation : leurs deux chevaux de bataille depuis cinquante ans).

Manowar : "Battle Hymns MMXI"

Arnaud Splendore — 2011-04-30T09:29:57Z

Je l'avoue sans la moindre honte, je suis un fervent défenseur de Manowar. Je suis capable de défendre avec la pire des mauvaises fois toutes les frasques des guerriers du metal, que ce soit leur look à la virilité contestable, la baisse de qualité permanente depuis Triumph of steel, leur discours démago, le fait qu'ils n'aient plus sorti de véritable album studio depuis 2007, et même le coup de pute à Rhapsody. J'ai traversé la moitié de l'Allemagne pour les voir et je me suis même fendu d'un « c'était quand même chouette » pour qualifier un concert médiocre. Bon, j'ai bien un peu pesté sur le fait que leur tournée actuelle ne s'arrête même pas en Belgique, et j'ai feint d'ignorer la sortie de l'abominable album hommage à Ronnie James Dio. Mais là, quand Manowar se fend d'un remake de leur premier album, c'est la goutte d'eau qui fait déborder le vase.

Ré-enregistrer un album n'a pourtant rien de nouveau. De nombreux groupes se sont déjà essayés à cet exercice avec plus ou moins de bonheur. Mais le plus souvent, cette démarche trouve une justification, par exemple pour réinterpréter les titres avec un nouveau line-up, ou pour un Xème anniversaire de la sortie de l'album. Ici, j'ai beau chercher, je ne vois pas. Battle hymns étant sorti en 1982, on ne peut pas vraiment parler d'un anniversaire, à moins que le nombre 29 ne possède une signification particulière chez Manowar. De même, l'unique changement de line-up par rapport à l'époque, c'est le guitariste Karl Logan, seul membre du groupe qui n'a pas participé à l'enregistrement de Battle Hymns. Ceci dit, le gaillard fait tout de même partie de Manowar depuis quinze ans, donc pas à proprement parler un premier communiant. Non, y'a pas à se gratter, je ne vois qu'une seule explication logique : le pognon !

On aurait pu éventuellement prétendre que le groupe voulait ré-enregistrer son premier album pour présenter une nouvelle approche musicale des titres de l'époque, riche de son évolution musicale. Le souci est que nous sommes ici en présence d'une redite note pour note de l'œuvre originale, et ce n'est pas vraiment l'évolution de Manowar qui nous saute au visage à l'écoute de ce Battle hymns nouveau cru. En effet, depuis le départ du guitariste d'origine, Ross the boss, le groupe n'a fait que régresser musicalement et, même s'il m'en coûte de l'avouer, ce remake ne fait que le mettre en évidence. Le Manowar qui a enregistré la première version de Battle hymns était fort de sa jeunesse, affamé, anxieux de s'imposer sur une scène musicale bondée, de prouver qu'il avait quelque chose à dire et qu'il méritait sa place. Par contre, le groupe qui a commis ce remake est un groupe bouffi d'un orgueil mal placé, un groupe en perte de vitesse, qui n'a plus rien à dire et qui ferait bien d'apprendre à fermer sa gueule.

Pour peu, on aurait presque l'impression d'être en présence d'un tribute band. Tous les titres sont interprétés un cran en dessous du rythme d'origine, et les musiciens peinent à suivre la partition. Dans le même registre, les guitares sont accordées un ton en dessous, histoire que ce pauvre Eric Adams, qui n'a plus les cordes vocales de ses vingt ans, n'ait pas trop l'air ridicule. Toujours au rayon comparaisons, ce remake a tout de même le mérite de permettre de constater combien Manowar a perdu avec le départ de son guitariste original. Karl Logan est sans doute un très bon technicien, mais au final, il n'est qu'un branleur de manche parmi tant d'autres. Aucune émotion dans son jeu, aucun des petits détails qui épiçaient le jeu de son prédécesseur. Preuve à l'appui, la chanson qui donne son titre à Battle Hymns est, dans sa version originale, ce qu'il convient d'appeler un monument de metal épique. Sa nouvelle version est tellement plate que l'on s'emmerde après deux minutes. On peut bien dégoiser des heures durant sur Luca Turilli (Rhapsody Of Fire), mais lui parvient au moins à instiller cet esprit épique à sa musique, indispensable pour que cela fonctionne.

De manière générale, l'album est surproduit par les bons soins de tonton Joey lui-même. L'original avait un son cru, brut de décoffrage, le genre de son qui convient parfaitement à ce genre de heavy rock US. Ici, l'ensemble sonne comme aseptisé, à tel point que l'on dirait un album de Madonna. La basse est beaucoup trop en avant, mais ça, on en a l'habitude, vu qu'il faut bien flatter l'égo sur-dimensionné de DeMaio. Cerise sur le gâteau, on a droit à un nouvel épisode de maltraitance sur des personnes âgées, puisque Manowar a de nouveau kidnappé Christopher Lee dans son hospice, histoire de venir déclamer avec sa grosse voix sur Dark avenger, la narration sur l'original étant assurée par Orson Wells. Joey, mon petit, je sais que Christopher Lee est sans doute plus bankable que Wells, mais est-ce vraiment bien raisonnable d'abuser de la sénilité d'un pauvre vieux pour essayer de fourguer quelques albums de plus ? Et quel était le problème avec la narration originale pour vouloir en changer ?

Si les E.P. Dawn of battle et Thunder in the sky avaient pu laisser entrevoir une lueur d'espoir concernant le futur artistique de Manowar, ce Battle Hyms MMXI tient plutôt lieu de clou dans le cercueil de la carrière du groupe. Il faut se rendre à l'évidence, non seulement le groupe est incapable de produire un nouvel album studio, mais en plus de ça, les Américains sont enfin tombés dans l'auto-parodie. Si le groupe est toujours actif, l'esprit de Manowar est définitivement éteint et le groupe rejoint la horde de ses imitateurs, des combos qui se déguisent en barbares de carnaval pour camoufler le fait qu'ils n'ont rien à dire. C'est une triste constatation, mais la carrière de Manowar est bel et bien terminée. Il serait temps que les membres du groupe s'en rendent compte et se décident enfin à mettre la clé sous la porte, histoire de soulager les souffrances de leurs fans qui possèdent encore un sens critique et qui pensaient encore que le groupe n'avait pas complétement sombré.

New Order : "Power, corruption and lies"

Maxence Vitelli — 2011-04-29T12:16:43Z

Si pour vous la new wave se trouve dans les compilations estampilées LES ANNEES 80 : 4 CD à petit prix !!!, permettez-moi de vous contredire. La new wave, c'est tout autre chose.

Ce courant musical ne s'applique pas bêtement à tous les groupes collant du synthétiseur sur des mélodies pop, il n'aliène pas non plus toute la production occidentale pop-rock des années Mitterrand. Car au-delà de spécificités auxquelles on ne peut déroger, c'est un état d'esprit "décalé" qui prime avant tout.

Schématiser ? On peut y parvenir comme s'y méprendre, tant cette classification n'est pas rigide. Tout d'abord on peut opposer la new wave "humaine", basée sur les instruments manuels, à la new wave dite "froide" car électronique (Minny Pops, Front 242, The Human League). Il faut néanmoins rappeler que la plupart des groupes ont humanisé l'électronique - ou, a contario, rigidifié le combo batterie/basse/guitare. Section 25 sur From the hip ou The Passage vont dans ce sens, selon moi.

On peut ensuite observer des branches au sein de la new wave, seulement il n'y a plus de cloisonnement possible. Seventeen seconds de The Cure et In the flat field de Bauhaus sortis la même année (1980) sont bien distincts ; de plus, les groupes font leur propre synthèse de multiples courants musicaux : A Certain Ratio insuffle du funk au format "Joy Division", Tuxedomoon évolue peu à peu vers la musique scénographique.

Trop de généralités ? Tentons un petit historique... La new wave n'est pas arrivée brusquement en 1979 avec The pleasure principles de l'ami Gary Numan. A l'image de l'histoire de l'Art, qui se construit sur les expériences plastiques passées, la new wave prend sa source dans un mélange adroit du glam des 70's (David Bowie, Roxy Music, T. Rex) avec les expérimentations germaniques de la même période (Kraftwerk avec Autobahn, Neu !, Can, Tangerine Dream), puisera son énergie dans le punk (les Sex Pistols ont montré la voie à suivre à la bande de Ian Curtis, mais aussi à Siouxsie & The Banshees et Billy Idol) pour se brûler la décennie suivante dans le cynisme, la mélancolie et autres pessimismes existentiels.
Ainsi, la fin des années 70 est un moment crucial, révélateur même, qui verra l'éclosion de véritables albums de dingues, signés sous des grands labels, chose impensable aujourd'hui (les singles n'apparaissent pas souvent sur les albums, la promo n'est alors pas facilitée).

Ensuite, de 1980 à 1982 seulement, on note la période "pure". En effet, la cold-wave vit ses heures de gloire d'un point de vue créatif (pour les ventes, on repassera...) : la basse est au centre des compositions, le style de chacun s'affirme, le son reverb restera inégalé (les nouveaux moyens d'enregistrement et de mixage ne le permettant plus aujourd'hui). De plus, cette époque voit le fourmillement de productions sous le label Factory Records - par extension Les Temps Modernes, Postcards, Les Disques du Crépuscule. Martin Hannett, l'ingénieur du son de Joy Division, va d'ailleurs produire/mixer plus d'une quinzaine d'albums et de simples ces années-là. Buzzcocks, Magazine, The Names, et bien d'autres vont passer entre ses mains de maître. Si la plupart auront un accueil marginal, ils restent néanmoins majeurs dans l'histoire de cette musique !

A partir de 1983 environ, des groupes aussi déconcertants que Cabaret Voltaire, The Fall et même Public Image Ltd. vont se mettre à la pop... Oui, au son commercial ! The Cure peut, dès lors, signer un Let's go to bed sans complexes. Conjugué avec la robotisation des instruments (les synthétiseurs et les boîtes à rythmes ne sont plus réservées aux seuls "scientifiques" et autres Brian Eno de la musique, ils envahissent le marché !), cet élan pop va pousser les autres artistes-musiciens à faire de même. Heureusement, certains veilleront à conserver une part d'inaccessible (The Passage en tête !) pour créer des univers musicaux personnels...

Dernier volet de l'historique, depuis quinze ans environ on voit apparaître beaucoup de groupes pop/rock renouant soi-disant avec la new wave d'antan... Ne les prenons pas trop au sérieux, respectons les pionniers. Cependant, un esprit "new wave" - dans le sens du décalage - se retrouve quelque peu dans le post-rock des années 90. Je pense à Jessamine, Unwood, Blonde Redhead, Bastard, et j'en oublie. L'univers apporté par ces derniers mêle rock sale, psychédélisme (batterie envoûtante, basse sourde), sons vintage et plages expérimentales. Du Sonic Youth artisanal ! Il semblerait toutefois que le label canadien Constellations propose une alternative à ce constat fataliste...

Pour récapituler, on peut tenter cette classification : La new wave (77-85) : ce qui englobe les différents mouvements présentés ci-dessous, plus la pop synthétique et/ou légèrement dépressive des années 80. On brasse donc le meilleur (The Cure) comme le "pire" (Frankie Goes To Hollywood, ABC, Duran Duran, Spandau Ballet, Howard Jones).

La cold-wave (79-82) : du rock dépressif dont les titres ne passent pas à la radio car ils "foutent trop le cafard !". On retrouve donc la quasi totalité du label Factory avec Joy Division mais sans New Order ; Cocteau Twins jusqu'à Victorialand, les deux premiers Echo & The Bunnymen, John Foxx, Japan, The Psychedelic Furs, etc.

Le post-punk (77-79) : les prémisces de la new wave. De l'énergie, des titres courts avec une pointe d'expérimental : Magazine, Ultravox, Buzzcocks, Gang of Four, Siouxsie & The Banshees, Simple Minds et le Gary Numan du début, les premiers Talking Heads, In Camera, PIL, etc.

Le gothique (78-81) : le mouvement à ses débuts était voisin de la new wave, comme sur Bela Lugosi's dead de Bauhaus et Only theatre of pain de Christian Death. On peut insérer Dead Can Dance (apport d'ambiances ethniques) si on n'est pas trop exigeant sur la classification.

La new wave expérimentale (78-85) : le son reste new wave mais la finalité est aux antipodes du passage radio, de l'attente de l'auditeur parfois. Le but est de s'ouvrir au conceptuel, au premier jet, aux disonnances, bref à la liberté d'expression. Neu ! a ouvert la voie de façon précoce en composant des boucles répétitives/évolutives de plus de cinq minutes au début des années 70. Wire exécutait des prestations live inattendues en 1981 et, sans être exhaustif, Section 25 a choisi parmi ses sessions d'improvisations tous les titres qui figureront sur The key of dreams, sorti en 1982. On peut également inclure From a northern shore de Twice A Man en 1985, un album à première écoute pop/électronique mais qui se révèle anti-dansant.

En conclusion, il n'est pas évident de résumer un courant musical aussi riche et passionnant que la new wave. Seul un album y arrive vraiment, et c'est celui qui donne son titre à cet article.

Iron Maiden : "Virtual XI"

Vincent Ouslati — 2011-04-27T07:00:00Z

Il y a toujours (souvent) un personnage dans votre proche entourage qui tient à vous initier à ses lubies musicales, parfois c'est bénéfique, parfois non... Il y en eut un pour moi, un drôle de zig qui de bières en bières, de disques en disques, devint un compagnon d'infortune durant les sales années Lycée/Bac (se prononce "beuark"). Nos débats enflammés nous amenaient, c'est heureux, rarement à nous foutre sur la gueule, je dirai jamais. Mais concernant Virtual XI, ce fut limite.

Le personnage en question se revendiquait homosexuel, nazi et métalleux, dans cet ordre précis. [1]
Vu que physiquement, je préférais sa soeur, que ses penchants anti-juifs se bornaient au patronyme (Cohen...) du prof de maths qu'on détestait tous (sauf moi qui, grand seigneur, fit toujours la distinction entre l'homme et son horrible fonction, bien sûr...), restait sa dernière distinction lui permettant d'alimenter en disques mon faible ordinateur et je lui devais entre autres une large part de la discographie d'Iron Maiden, je lui devais donc en gros mon initiation au heavy-metal.
A l'époque, en 1998 quoi, le haut débit était encore inaccessible et les clés USB ressemblaient beaucoup à des CD, ça ralentissait grandement la récupération d'une discographie, aussi réduite soit-elle.
Un jour, Bonobo me fila un nouveau disque en me faisant une gueule de démineur devant la bombe.

(Note : Avant d'en venir à mes souvenirs brumeux et adolescents, je tiens à vous avertir que le langage utilisé à l'époque diffère quelque peu de la langue française communément pratiquée de nos jours, mais cette archive n'en aura que plus de force avec les tics et usages de cette période.)

Bonobo : Putain, j'ai acheté le dernier skeud d'Iron Maiden, bonjour la merde, tiens je te le file si tu veux.

Vincent Ouslati : Trop que je veux ! Il est pas bon, celui-là ?

B. : Pire que tout, c'est de la daube, Blaze Bayley de mon cul ! Harris a rien chié là-dessus. Trop déçu, putain !

V.O. : Sérieux ?

B. : Ouais, j'ai halluciné, tu vois genre les chansons longues bien pourries, y'en a une, The angel and the gambler de mon derche qui suinte trop quoi, la merde quoi, avec des claviers trop nazes.

V.O. : Dégouté, mec. Tu m'avais filé quoi la dernière fois déjà, No prayer for the dying, non ?

B. : Ouais, pas terrible non plus, mais y avait Bruce, pas l'autre couille de Blaze, ça sauvait le truc, tu vois. Là, putain, c'est mort. Ils sont morts !

V.O. : J'avais pas mal aimé The X factor pourtant, Sign of the cross, ça déchirait... Après, c'était long, c'est clair.

B. : Ouais, c'était limite sauf le chant, mais je peux pas l'encadrer l'autre bite, et il massacre tous les classiques en concert, il parait. Jamais entendu (sic...), mais parait que c'est bien affreux comme il faut. Faut qu'il se tire ce mec, putain !

V.O. : J'sais pas, bon passe-le moi, ton truc, je vais me l'écouter, je te dirai.

B. : OK man, on se voit demain... Hé, y a quoi à faire en physique, j'ai rien capté."

Le lendemain, on s'attendait devant la porte du bahut, sous l'oeil du grand con qui nous servait de pion, un fan de trompette qui nous faisait supporter ses gammes lors des absences de profs, "la misère sa mère" comme on disait de notre temps.

B. : "Alors, t'as écouté ? Merdique, nan ?

V.O. (Et là j'ai eu comme un déclic, et j'ai osé dire...) : - ... Ben, j'sais pas.

B. : Comment, tu sais pas ? Attends mais t'as pas écouté, c'est pas possible.

V.O. : Si, si... J'ai écouté et c'est pas si mal, j'veux dire, ya des trucs biens, en fait.

B. : Qu... Quoi mais t'as fumé, et leur trip sur le foot et tout, mais mec, c'est la pire daube qu'ils aient jamais pondu, tu sniffes ou quoi ? Sérieux, mais tu te fous de ma gueule en vrai ?

V.O. : Je sais, c'est mauvais, carrément... Mais finalement j'accroche pas mal à certains trucs, genre Lightning strikes twice, Don't look to the eyes of a stranger, y a quelque chose de bon là-dedans.

B. : 'Tain, le seul truc sauvable, c'est The clansman, mec, le reste c'est pas possible, j'te jure.

V.O. : Bah en fait, je la trouve trop conne The clansman, c'est épique et tout, mais ya eu mieux pour tripper, et puis le chant...

B. : Clair sur le chant, mais c'est un bon morceau, je te dis que Bruce, il pourrait le gérer grave, d'ailleurs il est fait pour lui ce morceau...

V.O. : Ouais, peut-être, faut voir (et de fait allez voir sur le Rock in Rio, The clansman tue... mais avec Dickinson et 150.000 Brésiliens, sinon ça le fait pas), mais là, c'est pas top franchement. Bon, sur Futureal et Angel and the gambler, t'avais raison, c'est tellement mauvais que ça passe pas, ça pue grave.

B. : Et presque dix minutes de cette merde, le trip hyper pourri !

V.O. : Mais vraiment sans déconner, j'accroche vraiment je crois, c'est coincé du cul entre des trucs un peu mélo qui sont pas mals et des conneries dans le genre du début, mais sérieux, écoute bien The educated fool avec l'intro spéciale genre "On tente du sympho mais on a des couilles"... J'sais pas, moi, ça me touche...

B. : Moi, ça me touche que tu vires tarlouze et que tu vas te faire culbuter par les crabes (?), ce disque est une merde, point barre.

V.O. : Mmmh...

B. : Carrément pas, mec, et Blaze... C'est trop mou, 'tain !

V.O. : Non, Blaze chante pas toujours top, pas mieux qu'avant, mais bon le gars est pas aidé par des compos aussi pourraves... Tu vois, When two world collides, c'est pas trop nul en fait, j'aime bien ces démarrages très sombres, acoustiques, avec Blaze qui montre un peu d'émotion, il a quelque chose ce gars...

B. : Ouais, je dis pas, mais bordel, t'as vu la longueur des morceaux, genre ils font un album avec huit morceaux comme avant quoi, mais c'est tous du genre six minutes, trop long quoi, surtout vu comment ça craint...

V.O. : En fait, c'est carrément long et ça nuance pas beaucoup, mais en même temps tu les retiens, les compos sont un peu pauvres mais pas si à chier. Don't look to the eyes of a stranger aussi a une très belle partie à la gratte, tu jertes les deux morceaux au début qui ressemblent à rien, la suite est pas si mal.

B. : J'sais pas, moi je peux pas blairer Como estais... de mes couilles, c'est pas du Maiden.

V.O. : Moi j'adore, c'est bien triste aussi mais ça touche, je trouve, et Blaze joue bien au dépressif là-dessus ! Mais t'as raison, c'est pas du Maiden, c'est tout sauf du Maiden en fait."

On n'aura jamais été d'accord sur Virtual XI... Franchement pas un bon album, certes, plombé par deux vraies merdes (je ne reviens pas sur lesquelles), mais j'en garde un bout de positif pour Blaze Bayley qui se démerde avec ce qu'il peut, pour une ambiance particulière dégagée par la majorité des titres, un coté aigre-doux qui intrigue. Et puis surtout pour ce Como estais amigos en toute fin, espèce de chanson pour kleenex pas maidenienne pour un sou et justement si incongrue qu'elle en sort grandie en comparaison au reste.

Ce disque démontre simplement à quel point les figures de proue du heavy-metal et du rock ont souffert dans cette décennie 90, dominée par d'autres plus en phase avec l'époque. De fait, il y eut dans ce créneau temporel bien pire qu'Iron Maiden et son four estampillé onze, au bout du compte plus touchant que navrant...

[1] Et non, il ne s'agit pas de Yû.

Revolting Cocks : "Cocked & Loaded"

Maxence Vitelli — 2011-04-26T11:22:11Z

Drôle de cocktail que ce groupe. L'incarnation originelle des RevCo en 1985, c'est un melting-pot belgo-américain : Al Jourgensen, Luc Van Acker et Richard 23. L'histoire veut en effet que Front 242 fit une très forte impression sur Jourgensen et que ce dernier, jamais à court de side-projects, finit par en monter un qui fut le seul à presque égaler la renommée de Ministry.

A l'époque, les Revolting Cocks étaient un projet ambitieux avec une attitude, parfaitement représentative de l'esprit Wax Trax. Ce line-up fut cependant très éphémère : Richard 23 quitta le navire très rapidement pour cause de différent personnel. Jourgensen rameuta alors des potes de Ministry (Paul Barker, William Rieflin et Chris Connelly) pour en faire un supergroupe à invités faisant partie de la même sphère musicale (parmi lesquels Nivek Ogre, Trent Reznor...), où le mélange musique industrielle plus dance plus samples stupides finit par devenir un prétexte. En effet, la réputation du groupe finira par compter bien plus que la musique. Celle-ci, frôlant bien souvant le dixième degré (des reprises d'Olivia Newton-John et Rod Stewart sortant en singles, à la plus grande horreur de ces derniers), n'était plus pour le groupe qu'une raison de se marrer et de provoquer facilement la morale américaine avec go-go-danseuses et strip-teaseuses sur scène... Au point qu'il devint à la mode pour les responsables locaux d'essayer d'empêcher les concerts des RevCo chez eux.

En 2006, treize ans après le précédent album Linger ficken' good, que restait-t-il des RevCo des années 90 ? Jourgensen et ses amis Jello Biafra, leader charismatique des Dead Kennedys, et Gibby Haynes (Butthole Surfers), tous deux familiers du groupe. Ce bon vieux Al ayant réussi à virer Paul Barker de Ministry et ayant toujours eu bien du mal à garder un line-up un minimum stable pour son groupe principal, a dû appeler à l'aide un peu partout, et n'a pu finaliser cet album qu'après plusieurs années, ce qui n'est pas souvent bon signe...

Au bout de cela, non seulement l'esprit relativement spontané et direct des disques précédents s'est perdu en route, mais en plus, on s'est également éloigné du son d'origine. Déjà que l'absence de certaines personnes pouvait faire grincer des dents à l'idée de voir l'étiquette Revolting Cocks sur ce disque... Mais après tout, pourquoi pas, on n'est pas la pour prendre les choses sérieusement, de toute façon.

A noter : pour l'anniversaire de Wax Trax, les RevCo ont joué tout récemment plusieurs concerts avec un line-up incluant à nouveau Luc Van Acker, Paul Barker et Chris Connelly mais PAS Al Jourgensen... Richard 23 a rejoint la joyeuse troupe le temps d'une date à Chicago, ce 17 avril.

Lady Gaga : "Born this way"

Jérôme Delvaux — 2011-04-24T22:00:00Z

Parce qu'une image est souvent plus parlante qu'un long assemblage de mots que la plupart d'entre vous ~~ne lit pas~~ ne comprend pas, de toute façon.

Michel Legrand : "La piscine"

Jérôme Delvaux — 2011-04-23T22:16:57Z

Pianiste virtuose de classique et de jazz, Michel Legrand s'est spécialisé dès les années 50 dans le très rémunérateur créneau des musiques de films. En un peu plus de quarante ans de carrière, il composa l'accompagnement sonore de près de 200 films, depuis les fers de lance de la Nouvelle Vague française jusqu'à de plus grosses productions américaines. La piscine, de Jacques Deray, fait partie de ses plus belles réussites.

Mille neuf cent soixante-huit est une année faste pour Michel Legrand. A trente-cinq ans, cet ancien collaborateur de Miles Davis, John Coltrane et Dizzy Gillespie s'est installé avec sa famille en Californie. Très demandé par Hollywood, il signe en l'espace de douze mois la bande-son (ou le score, comme disent les anglophones) de cinq films en tout ; dont l'inoubliable première version de L'affaire Thomas Crown, avec Steve McQueen et Faye Dunaway, pour laquelle il recevra l'Oscar de la meilleure bande-originale.
On peut le dire : c'est un compositeur au sommet de son art qui s'attaque cette année-là à la B.O. de La piscine, une première commande du réalisateur Jacques Deray. Et la première pour un film français depuis qu'il est parti travailler aux Etats-Unis.

L'intrigue de La piscine repose sur la relation ambiguë entre quatre adultes (Alain Delon, Romy Schneider, Maurice Ronet et Jane Birkin) qui, durant l'été 68, séjournent dans une villa de Saint-Tropez et passent l'essentiel de leur temps à faire la fête et flâner nonchalamment autour d'une piscine. L'amour, le sexe, l'alcool, la jalousie et l'orgueil forment sous le soleil un cocktail explosif dont aucun des protagonistes ne sortira indemne.
Le film contient quelques scènes érotiques très osées (pour l'époque). Notamment lorsque Delon, parfait dans son interprétation du mâle absolu, déshabille Romy dans les fourrés et la flagelle brutalement avec une tige arrachée à un arbre – et qu'elle aime ça. Préciser que le couple était, dans la vie réelle, séparé depuis trois ans suffit à mieux comprendre toute l'intensité qui se dégage de leur torride interprétation.

Michel Legrand met en musique le ballet aquatique des amants en douze tableaux. Entre le thème principal et le générique de fin, il illustre les différentes étapes de ce jeu d'échecs grandeur nature au travers de plages instrumentales soigneusement façonnées : Pièges à reflets, pièce jazzy atmosphérique de laquelle se dégage une tension palpable ; De souvenirs en regrets, ballade mélancolique survolée par des harmonies vocales lumineuses ; Dans la soirée, un thème de surprise-party enfiévrée entrecoupé de soli de violon lugubres ; Chassé-croisé, un air de jazz au tempo très lent, élégiaque et sensuel ; Suspicion, son piano tristounet et ses vocalises éthérées ; ou encore la bien nommée Blues pour Romy.
Deux chansons pop bien dans l'air des années 60 trouvent également leur place dans la bande-son : Run brother rabbit, run, chantée par Delaney Bramlett, et la délicate Ask yourself why par Sally Stevens. Les seules autres voix que l'on entend sur le disque, outre des chœurs typiquement sixties, sont celles de Michel Legrand et de sa sœur Christiane. Leurs vocalises, une espèce de yahourt improbable (dont Deray, dans un premier temps, ne voudra pas), sont censées être une transposition vocale du couple Delon-Romy. Un couple déchiré et déchirant, qui manie beaucoup les silences. Comme Legrand s'en explique lui-même : « A la musique de créer le malaise, de révéler des émotions sourdes, étouffées ».

La B.O. de La piscine a été rééditée dans le cadre de la célèbre collection Ecoutez le cinéma (qui propose aussi quelques-unes des meilleures réalisations de Gainsbourg pour les salles obscures) avec en bonus la contribution de Michel Legrand à deux autres films de Jacques Deray : trois morceaux pour Un homme est mort et sept pour Un peu de soleil dans l'eau froide.

Iced Earth : "The glorious burden"

Vincent Ouslati — 2011-04-23T09:01:10Z

Iced Earth, pour ceux qui ne connaissent pas, c'est un peu Iron Maiden à l'Américaine, en plus jeune, et moins talentueux quand même. Si le groupe a sorti quelques bons albums, j'ai toujours eu du mal à en écouter un en entier : au bout de quatre chansons, je me lasse et l'ancien/nouveau chanteur, Matthew Barlow a une voix que je n'ai jamais vraiment apprécié. En 2001, Barlow se tire pour reprendre ses études de droit et ainsi défendre l'Amérique qu'il pense menacée depuis le 11 Septembre. Il est d'ailleurs devenu flic... C'est Tim Owens, chanteur intérimaire de luxe, qui va le remplacer et le résultat est plus que bon.

Cet album est une sorte de témoignage relatant la guerre à travers les âges et des personnages marquants, rien que pour ça, j'ai hésité à gerber directement dessus sans passer par la touche Play. Mais la curiosité étant un mal nécessaire, j'ai fait un effort. L'hymne à la gratte The star-spangled banner pour débuter, ils auraient pu éviter. Certes le thème de l'album s'y prêtait bien mais peut-être est-ce mon fond d'anarchisme qui me fait repousser de façon inconsciente tout ce qui ressemble de près ou de loin à du patriotisme aveugle, j'ai du mal, en clair, c'était pas obligatoire, surtout que sur le plan purement musical, ça casse pas la baraque.

Par contre, cent fois oui pour Declaration day, Owens remplace avantageusement Barlow parfois un peu trop trash à mon goût. On sent qu'il se fait plaisir, le refrain entêtant, les soli impecs de Schaffer, ça présage du meilleur et, à ce niveau de l'album, je suis plutôt confiant. When the eagles cries, avec des chœurs très présents est une plage assez lente et un peu molle, dommage. Et voilà que déboule The reckoning, avec un Lieutenant Schaffer génial et un Captain Owens qui retrouve des accents priestiens du meilleur effet. Greenface est plus quelconque et rappelle des tas d'autres morceaux tout aussi bons et tout aussi peu inventifs, pas nul mais passable.

Et de Greenface, amis et compagnons, allons faire un tour chez Attila voir si l'herbe a repoussé, difficile avec le désherbant employé par Iced Earth, ça vous ferait tomber n'importe quelle tignasse de métalleux un titre pareil, puissant, épique, avec alternances au milieu des éructations d'Owens et de chœurs masculins, bien foutu, on imagine aisément Attila jouer au bulldozer avec ce titre en fond sonore.

Roooaaarrr, (je fais bien l'avion hein ?) et voilà que le Baron Von Richtofen, qui fend les airs à bord de son zinc rouge pour nous envoyer une rafale bien sentie entre les oreilles. On sent là tout le talent d'Iced Earth pour créer une musique très imagée, les personnages défilent et l'on suit tout ça avec délectation.

Détente et Cabernet Sauvignon avec Hollow man, titre lent et relativement calme, intermède agréable avec toujours ces chœurs en refrain très efficaces. Valley forge vous réveille de votre torpeur en douceur pour mieux vous amener vers le petit chef-d'œuvre qu'est Waterloo, au riff de guitare original et à la dimension épique évidente. On est dans la bataille, entre Prussiens, Autrichiens, Russes, tout ce petit monde se fout joyeusement sur la gueule. C'est le grand morceau de bravoure de The glorious burden, et l'un des plus réussis. Le premier CD se clôt par une version unplugged de When the eagle cries, était-ce bien utile, oui et non, oui dans le sens où après Waterloo, L'Aigle Impérial avait de bonnes raisons de chialer et non car cette version n'a rien de transcendant.

Ouvrez vos esgourdes, on arrive au meilleur, le second CD. A noter qu'il retrace la bataille de Gettysburg en trois titres. Revoilà donc notre The star-spangled banner, mais à la cornemuse cette fois, ça passe pas mieux, désolé... Il ouvre pour The Devil to pay, morceau superbe mais je vous avais prévenu de toute façon, ce second CD justifie à lui seul l'achat de cette galette... Ou son téléchargement... Oups, pardon.

The Devil to pay donc, douze minutes de génie, varié avec Owens qui décidément a parfaitement trouvé sa place. On retrouve au long de ce titre un peu de folklore militaire savamment distillé, charges au tambours galopants, coups de feu, ambiance quoi. Hold at all costs ne fait pas faiblir le rythme, quoique, allez si je chipote, elle aurait mérité d'être un poil plus courte, mais je chipote, notez bien.

Et enfin, High water mark, à l'intro batterie rappelant au début celle de Trust de Megadeth, la comparaison s'arrête là. Faire plus heavy-metal que ce machin-là, c'est difficile, on est encore en face d'un bon titre qui achève cet album avec talent sur fond de bruits de batailles. Schaffer, Owens et consorts ont réussi là un bon disque malgré quelques pistes plus faiblardes. Il est heureux de constater que la greffe Owens a très bien prise, même sur une terre gelée. Belle prouesse qui ne durera malheureusement pas.